LA GEOMETRÍA DEL MUNDO
Entonces, un día, vemos desfilar ante nosotros un gran número de figuras: las vetas de un árbol dentro de unas reglas escolares, los aros de la vida en una rodaja de tronco; solo por nombrar algunos de esos encuentros.
Quizás cada obra de esta exposición resume nuestra relación con esas figuras desde la infancia —en el aula, en el patio, en el bosque, en sueños y en pesadillas familiares.
Solo queda reunirlas, encontrarlas de nuevo, o fingir que siempre habían esperado ser vistas.
Para los artistas aquí reunidos fue necesario dejarse conmover por esas figuras y relatar el encuentro. Y hay en ello un elemento de juego, de ejercicio y de aplicación, que ellos disfrutan profundamente.
Así, al final, todos nos sentimos liberados de una obsesión que no sabíamos que teníamos: la de separar la razón de la materia, la línea recta del crecimiento orgánico. Esta muestra es el testimonio de ese descubrimiento.
Daniel Joglar, mayo 2026
Alejandro Vergez/Andrea Gonzalez Soto
Andrea Posteraro/Blanca Panella
Carolina Rumbo/Chloe Henderson
Fabiana Guazzelli/Loresaff/Lu Targise
Maire Salgán/Martyn Romero Mezzadra
Mateo Ibañez/Melisa López/Valentina Villela
mayo/julio 2026
Fuego, 2025
Alejandro VERGEZ
Fotografía digital color, toma directa
60 x 80, enmarcada en madera y vidrio
En la recurrente búsqueda de disrupción visual, se busca alterar el significado a través del sesgo. Romper estructuras asentadas en la memoria del individuo, permiten observar el mundo desde otro sitio.
Suturas geométricas / Arquitecturas efímeras, 2026
Andrea GONZÁLEZ SOTO
Fotografía digital sobre papel fotográfico intervenida manualmente con bordado
20 x 30 cm, 40 x 40 cm enmarcada
Fotografía digital sobre papel fotográfico
23 x 23 cm, con marco 40 x 40 cm
Mi búsqueda poética indaga en la intersección entre la geometría orgánica y la intervención humana. A través del blanco y negro, exploro el diálogo entre la fragilidad de la flora y la rigidez de sus defensas. Propongo una mirada que despoja a la naturaleza de su color para revelar su arquitectura más íntima. Al intervenir elementos como espinas mediante el bordado, busco subvertir la naturaleza del objeto: lo que inicialmente hiere se convierte en soporte de una trama delicada, una metáfora sobre la reparación y la belleza que surge en distintos entornos.
Conexiones, 2025
Andrea POSTERARO
Litografía intervenida sobre papel
100 x 70 cm
La obra traza una convergencia entre lo humano y lo natural, entre la precisión de la geometría y la organicidad del mundo vegetal. Cada composición intentara traducir desde lo abstracto una pregunta persistente: ¿cómo hacer coexistir la ciudad y la naturaleza? ¿Cómo hallar reposo en un entorno que se acelera? Se construyen imágenes donde lo sensible encuentra estructura y el caos se vuelve ritmo. El trabajo habla desde la sugerencia a percibir lo esencial detrás de lo visible. Las formas que emergen son el punto de encuentro entre lo que crece y lo que se construye, entre la intuición del dibujo y la lógica del diseño. Una escucha entre mundos que a menudo se piensan separados. Mapas posibles donde lo natural no queda relegado a lo decorativo o lo periférico, sino que se inscribe en el corazón mismo del orden humano. Como espacios de contemplación, de pausa y de reencuentro, las piezas nos recuerdan que aún es posible imaginar otras formas de habitar.
Donde la luz se quiebra / Cuando la forma calla, 2025
Blanca Emilia PANELLA
Fotografía digital. Fine Art. Papel cansón Aquarelle
30 x 40 cm, enmarcada
Fotografía digital. Fine Art. Papel Lustre Metalizado
20 x 20 cm, 40 x 40 cm enmarcada
En estas obras, la arquitectura deja de ser edificio para convertirse en signo.Las líneas se desprenden de su función y comienzan a hablar en otro idioma: el de la forma, la luz y el vacío.Busco desarmar la referencia reconocible para que el ojo ya no mire “que es”, sino “que siente” frente a esos planos que se cruzan, se tensan y se suspenden. El encuadre extremo, la inclinación y el contraste llevan a la imagen hacia un territorio casi abstracto,donde la materia se vuelve ritmo. En blanco y negro, la geometría respira silencio; en color, la luz se fragmenta y late. Ambas obras dialogan desde esa frontera donde la fotografía deja de documentar y empieza a surgir. Mi poética habita ese límite: trasformar lo real en percepción, y la estructura en emoción visual.
S/T, 2026
María Carolina RUMBO
Papel calado sobre MDF y marco superpuesto
20 x 20 x 1,5 cm
Estas dos obras exploran la superposición como forma de construir un territorio sensible. A partir de láminas geométricas caladas, la búsqueda se orienta a romper con la idea de la rigidez de lo geométrico, desplazando su carácter estable hacia un campo más inestable y permeable. La minuciosidad del corte y la superposición habilitan un juego con la percepción: lo que parece fijo se desplaza, lo plano adquiere profundidad. En ese proceso, emerge la idea de cuerpo, insinuada en la relación entre capas. El vacío habilita pasajes y transforma la percepción; en ese espacio intermedio, las figuras se desplazan y la geometría, lejos de afirmarse como estructura rígida, se desplaza, se vuelve variable, casi orgánica. El color vibrante se integra como una capa más, acompañando y tensando esa transformación. La búsqueda poética se sitúa en ese umbral: un lugar donde la forma pierde fijeza y el territorio se vuelve móvil, abierto, en constante transformación.
S/T, de la serie Cardinal, 2025
Chloe HENDERSON
Cerámica roja (arcilla y barros andinos)
26 x 26 x 26 cm
Las obras aquí presentadas forman parte de la serie Cardinal. Cada pieza de esta serie está compuesta de dos o más partes de cuatro ángulos superpuestas y entrecruzadas, marcando el cruce de los puntos cardinales, o como la cruz Chakana, simbolizando la unión de complementarios. Estas vasijas/totems están hechas de mezclas de barros andinos y arcillas rojas comerciales, y a menudo incluyen piedras de ríos o lagos. Sus formas no sólo son Cruz o flor, también son cactus y cerros, son ofrendas de la tierra al cielo, puntos de conexión entre lo terrenal y lo celestial.
S/T, 2026
Fabiana GUAZZELLI
Hilo sobre papel Arches 300 grs
40 x 50 cm, enmarcados
Mi trabajo surge de una búsqueda por depurar la forma y construir desde lo elemental. Me interesa crear espacios de contención donde gestos mínimos permitan que variaciones, repeticiones y capas registren el paso del tiempo. Observo cómo las formas se transforman: se desarman, se reorganizan y encuentran nuevos equilibrios. Estas operaciones no solo responden a decisiones formales, sino que evocan procesos internos y modos de atravesar la experiencia, sosteniendo la tensión entre cambio y permanencia. Mi práctica funciona como un espacio de observación activa, donde los materiales y sus comportamientos participan del proceso. A partir de ese diálogo, la obra incorpora intuición e incertidumbre como motores de construcción. Exploro lo humano a través de tensiones entre opuestos y, desde una lógica cercana a lo arquitectónico, trabajo con estructuras sintetizadas, donde la complejidad emerge a partir de una economía de recursos.
Brisa, 2025
Lore SAFFARANO
Acrilico sobre tela
80 x 60 cm
Me interesa crear mundos imaginarios, en los que el espectador pueda jugar, decidir. Me inspira la naturaleza, lo que no se dice, lo que queda un poco escondido. La intención es remover en la memoria y que la imagen nos lleve a recuerdos personales, intransferibles.
Objetos Platonicos, 2025
Lu Targise
Hierro, tanza y acrilico
30 x 30 x 30 cm
"El lenguaje visual de Luciana Targise se construye a partir de una síntesis entre lo geométrico y cósmico. Comienza su obra a partir de una estructura compositiva, una relación de formas geométricas armónicas. Luego, da paso a un proceso más espontaneo. Donde experimenta con formas y colores. Su práctica transita entre lo riguroso y lo perceptivo: lo pautado establece un marco, pero es la sensibilidad la que guía el desarrollo. Hay algo que se escapa del control racional, una pulsión que nace de la observación, de lo que la mirada va descubriendo frente al plano. La obra se construye como una composición donde se articulan ritmos, curvas y contracurvas que establecen un lenguaje visual propio." (M G)
Lo contenido / Lo que se filtra, 2025
Maire SALGÁN
Fotografía digital sobre papel fotográfico mate
30 x 45 cm, 43 x 63 cm enmarcadas
Umbral.
Mi trabajo explora los espacios de transición, donde el límite nunca es del todo preciso. Me interesa observar cómo la luz, el tiempo y lo exterior atraviesan esas estructuras, generando pequeñas inestabilidades. En estas imágenes, realizadas en el barrio de La Perla (Mar del Plata) donde distintas temporalidades arquitectónicas conviven, el interior y el exterior se tensionan. Lo que parece contenido se abre, y lo que está afuera insiste en filtrarse. En ese límite —ese umbral— la forma deja de ser estable y se vuelve algo sensible, cambiante.
Simetría latente, 2026
Martyn ROMERO MEZZADRA
Fotografía sobre papel mate
40 x 40 cm
La clave aquí es ir más allá de la mera documentación y transformar elementos arquitectónicos en composiciones abstractas. Se trata de entrenar el ojo para ver el edificio no como una estructura completa, sino como una colección de líneas, formas, texturas y patrones repetitivos. La luz es la mejor aliada en este ensayo para resaltar siluetas, profundidades, patrones y texturas.
La Insistencia de la Estructura 1, 2026
Mateo IBAÑEZ
Fotografía digital sobre papel fotográfico mate
33 x 43 cm, enmarcada en kiri
La práctica fotográfica es mi modo de conferir importancia a aquello que me conmueve. Es una manera de señalar el mundo que me rodea. Mi proceso creativo consiste en la búsqueda de elementos dentro de mi entorno que me hablen de manera sensible. Intento traducir estas escenas sutiles a representaciones poéticas, buscando en este caso mostrar las formas y ritmos de la naturaleza. Mi obra es una invitación a atravesar el primer encuentro con la imagen para entrever que la razón de la fotografía es el ideal que se encuentra más allá del sujeto representado.
Modulación 17
Melisa LÓPEZ
Papel plegado sobre cartón, marco de madera
30 x 40 x 3 cm
Mi práctica artística se fundamenta en el pliegue: un gesto mínimo que, a través de la repetición, organiza la materia y el pensamiento. Trabajo con el papel no solo como soporte, sino como un elemento estructural capaz de transformar el plano en volumen. En esta iteración constante, el hacer se vuelve un ritmo meditativo que construye forma y silencio en partes iguales. Me interesa explorar la zona donde la luz y la sombra conviven para revelar la obra de manera fragmentaria. Al habitar las concavidades y ángulos del papel, la luz deja de ser un factor externo para convertirse en un material constructivo que activa la percepción. Busco la tensión entre la fragilidad intrínseca del papel y el rigor de la estructura geométrica. En mi obra, la geometría deja de ser una abstracción exacta para volverse una experiencia íntima; un rastro sensible del gesto manual.
Trascolor 5, 2026
Valentina VILLELA
Papel calado, cartón y marco de madera
58,2 x 44,2 cm
En los últimos dos años me he sumergido en las posibilidades del papel a partir de tensiones como lo estático y el movimiento, la luz y la sombra, la rigidez y la flexibilidad. Mi obra se define por el uso del color y por concebir al papel como un material capaz de sostener tensiones y dar lugar a nuevas formas de lo visible. Trabajo principalmente con papel calado, una técnica que abre paso a juegos de percepción, donde un plano de color puede revelar otro oculto. La luz se vuelve protagonista: al proyectarse, expande la obra en sombras y profundidades que transforman la superficie. Las líneas rectas guían mis composiciones; desde su aparente rigidez, habilitan composiciones dinámicas. A su vez el marco, recubierto con el mismo papel, deja de ser límite para integrarse a la obra y refuerza la idea de un material que puede ser simultáneamente estructural y flexible.
Daniel Joglar
CURADURÍA
Daniel Joglar crea instalaciones sobre la pared, desde el techo o sobre mesas. Hechas con objetos de tiendas de útiles escolares, librerías y oficinas, sus ensamblajes se unen mediante una lógica intuitiva de proximidades materiales y visuales, buscando siempre crear formas con una cualidad desconcertante, cambiando constantemente su significado de un momento a otro. Poética, humorística y mágica, la obra de Joglar es nostálgica y optimista a la vez, increíblemente simple e inesperadamente compleja.Daniel Joglar-Nace en Mar del Plata, provincia de Buenos Aires, Argentina, en 1966. Egresa como Profesor de la Escuela de Artes Visuales Martín Malharro (1989- 93) en su ciudad natal y realiza el Programa de Becas de Guillermo Kuitca (1997-99) en Buenos Aires. Dentro de sus exposiciones individuales se encuentran: MACBA, Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (2023), Ruth Benzacar (2013-2017), Dabbah Torrejón (2001-2005-2009), Blanton Museum of Art, The University of Texas, Austin (2006), Artists’ Space, Nueva York (2006), Centro Cultural Borges, Buenos Aires (2004). Instituto Cervantes, Chicago, Estados Unidos (2003). A lo largo de su carrera, obtiene becas de la Fundación Antorchas (2002) y del Fondo Nacional de las Artes (2002 y 2009), y los premios Elena Poggi (2004), Premio Konex- Diploma al mérito, Fundación Konex (2022), Premio Alfonsina, Secretaria de Cultura de Gral. Pueyrredón (2018) y el de la Bienal Regional de Bahía Blanca (1998). Sus obras se encuentran en las colecciones del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson. Su trabajo ha sido incluido en los compendios Vitamin 3D (Londres: Phaidon Press, 2009) y 50 international emerging artists (Contemporary magazine, Londres, 2006).
